Michael Sailstorfer
Michael Sailstorfer

Sailstorfer’s sculptural practice draws upon the kinetic, minimalist and pop traditions of 1960s and 1970s. In his work he re-actualizes these references through everyday or industrial materials, which he de-contextualizes and re-configures to trigger radical shifts in meaning.

Engagement with the ways in which natural forces are perceived through form and physical space is a frequent hallmark of Sailstorfer’s work. He transforms objects and spaces through light, sound, or smell to reveal their physical boundaries by challenging them and thereby frames his works with a distinctly poetic approach to materials. Frequently these works display an unmistakable whimsy that play on his sense of visual wit.

Sailstorfer’s work has been exhibited in various international institutions including at Sharjha Biennial 8, Sharjah, United Arab Emirates; Swiss Institute, New York, USA; Walker Art Center, Minneapolis, USA; Berlinische Galerie, Berlin, Germany; Bundeskunsthalle Bonn, Bonn, Germany; Casa del Lago, Mexico City, Mexico; Fundació Joan Miró, Barcelona, Spain; K20, Düsseldorf, Germany; Martin-Gropious-Bau, Berlin, Germany; Museum of Contemporary Art, Oslo, Norway; Public Art Fund, New York, USA; Schirn Kunsthalle, Frankfurt, Germany; and Stedelijk Museum voor Actual Kunst Gent, Ghent, Belgium. His work forms part of international public collections among them the Centre Georges Pompidou, Paris, France; Fondazione Morra Greco, Naples, Italy; MUSEION, Bolzano, Italy; Sammlung Boros, Berlin, Germany; Sammlung Goetz, Munich, Germany; Vanhaerents Art Collection, Brussels, Belgium; Städel Museum, Frankfurt, Germany; and the Walker Art Center, Minneapolis, USA.

La práctica escultural de Sailstorfer está basada en las tradiciones cinéticas, minimalistas y pop de los años sesentas y setentas. En su obra estas referencias son re-actualizadas con materiales industriales y de la vida cotidiana, los que de-contextualiza y reconfigura para desencadenar cambios radicales en su significado.

Una característica recurrente en el trabajo de Sailstorfer, es su compromiso con las maneras en que las fuerzas naturales son percibidas a través de sus formas y del espacio físico. Transforma objetos y espacios por medio de luz, olor o sonido, para revelar sus límites físicos al tiempo en que los desafía; así encuadra sus obras bajo una aproximación a los materiales distintivamente poética, manifestando frecuentemente un ingenioso sentido visual.

El trabajo de Sailstorfer ha sido expuesto en diversas instituciones internacionales, incluyendo la Sharjha Biennial 8, Sharjah, Emiratos Árabes Unidos; Swiss Institute, Nueva York, EUA; Walker Art Center, Minneapolis, EUA; Berlinische Galerie, Berlín, Alemania; Bundeskunsthalle Bonn, Bonn, Alemania; Casa del Lago, Ciudad de México, México; Fundació Joan Miró, Barcelona, España; K20, Düsseldorf, Alemania; Martin-Gropious-Bau, Berlín, Alemania; Museum of Contemporary Art, Oslo, Noruega; Public Art Fund, Nueva York, EUA; Schirn Kunsthalle, Frankfurt, Alemania; y el Stedelijk Museum voor Actuele Kunst Gent, Gante, Bélgica. Su obra forma parte de colecciones públicas internacionales, entre otras, del Centre Georges Pompidou, París, Francia; Fondazione Morra Greco, Nápoles, Italia; MUSEION, Bolzano, Italia; Sammlung Boros, Berlín, Alemania; Sammlung Goetz, Múnich, Alemania; Vanhaerents Art Collection, Bruselas, Bélgica; Städel Museum, Frankfurt, Alemania; y el Walker Art Center, Minneapolis, EUA.

Kopf und Körper Mailand

Aluminum, paint, concrete

Sculpture: 11.42 x 13.78 x 6.3, pedestal: 53.13 x 10.63 ∅ in

Aluminio, pintura, concreto

Escultura: 29 x 35 x 16 cm, pedestal: 135 x 27 ∅ cm

U22

Concrete, iron, fiberglass, epoxy resin, truck tire, inner tubes

111.42 x 78.74 x 42.52 in

Concreto, hierro, fibra de vidrio, resina tóxica, neumático de camión, cámaras de aire

282 x 200 x 108 cm

Zeit Ist Keine Autobahn-Mexico City

Car tire, iron, electric motor

31.5 x 37.4 x 25.59 in

Llanta de auto, hierro, motor eléctrico

80 x 95 x 65 cm

Julius Heinemann
Julius Heinemann

Julius Heinemann centra su práctica en el estudio de los diferentes modos de percepción, entendidos como pieza clave en las relaciones del individuo con lo otro –un “otro” que puede ser denominado realidad, sociedad, mundo, etc. Así, en su investigación analiza cómo formamos “imágenes” a través de la percepción –fragmentos de información del exterior que actualizamos continuamente– con las que cada uno de nosotros, en tanto seres individuales, puede lidiar con conceptos como tiempo y espacio, centrales en la articulación de esas relaciones sensoriales.

A través de su cuerpo de trabajo indaga formalmente en los modos preconcebidos con los que se interpretan valores abstractos: forma, escala, color, silueta… para redefinir desde ellos estrategias que, desde la subjetividad, entiendan nuestra relación con el tiempo y en el espacio con otros patrones, y así desarrollar un archivo de imágenes personales.

La suma de sus dibujos, pinturas, instalaciones, libros y otros medios con los que el artista trabaja, así como las colaboraciones con otros artistas, trazan un vocabulario que le permite adquirir nuevas capacidades con las que afrontar la inestabilidad y el flujo continuo de la contemporaneidad, ese constante devenir, aprehendiendo otra temporalidad y espacialidad.

De este modo, sus obras se convierten en base para la búsqueda de un pensamiento fuera de las ideas normativas establecidas en todo campo de conocimiento, y que reverberan en la concepción de la historia, la ciencia o la política. Su permanente actitud de cuestionamiento sobre lo que vemos físicamente, se plantea como una herramienta de pensamiento y sentimiento, como una alternativa para imaginar la posibilidad de una actitud colectiva compuesta por nociones libres individuales.

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Technique

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