Asombro ante la vida: El arte de Fernando Ramos Prida

In Memoriam Clara Garza  

La presente retrospectiva de Fernando Ramos Prida (1937–2007) reúne una vida entera de creación, de 1964 a 1998. Su asombro ante el ritmo de la vida cotidiana—que se refleja en títulos tan profundoscomo Nacido del silencio, Noche de fuego y Con tu cara de tiempo, de agua—va mucho más allá de la verdad poética ordinaria. La exposición revela a un pintor intuitivo cuyo lenguaje visual emergía sin esfuerzo de lo más profundo de su mundo interior. Entregado por completo a su impulso creativo, Ramos Prida liberó su espíritu del peso de las expectativas. Pintaba desde una aceptación natural, en un reflejo de sus propias palabras inmortales: “No somos como queremos ser, sino como podemos ser”.

Abren la muestra cinco acuarelas sin título, intensos destellos de color. En rosas y morados vivos, azul cobalto y naranja neón, sus atmósferas envuelven figuras dibujadas con la frescura de un niño. Son obras que provienen de la primera exposición individual de Ramos Prida, en 1965, en la Galería de Arte Mexicano, piezas que al final conservó en su colección personal. El color, hilo conductor de toda la exposición, pone de relieve la verdad emocional más profunda de su perspectiva sobre la vida. A estas obras sobre papel les siguen dos pinturas de gran formato, Las felices coloradas y Dicen que en amarillo, cuyas figuras sonrientes establecen contacto con el espectador.

Nicanor lector y Tú, yo y las cosas “fueron pintados como un dibujo hecho por alguien que va caminando por la calle y hace un dibujo en una pared, y luego viene la lluvia y lava esa pared, y ese dibujo mal hecho, hecho por alguien que no pretendía hacer una obra de arte, la mayoría de las veces es hermoso…”.

La pintura de Ramos Prida constituía un acto de recordar la intimidad de la existencia, arraigado en un sentimiento de parentesco con una realidad mucho más grande que él. Siempre creyó estar a tono con la vida, hasta que, una mañana fría y clara, encontró a la muerte esperándolo en su estudio. Sentado ante su mesa de trabajo, se topó con la mortalidad en la más pequeña de sus formas. Ahí yacía una palomilla muerta, boca arriba, mirando sin ver. Por un instante fugaz se asemejó a un corazón invertido, hasta que su cuerpo frágil y polvoso le abrió los ojos a una verdad ineludible: la muerte no es el contrario de la vida, sino una parte íntima y frágil de ella. Esto también es la vida, pensó. De ahí en adelante, su pintura transmitía un mensaje de una tristeza implacable. Era una aceptación de las cosas tal como son, que demostraba que la belleza residía justamente en lo que no podía cambiarse: un recordatorio permanente de la frágil verdad que por fin había visto.

Ramos Prida tallaba bajorrelieves en madera con una gubia en V, como una meditación sobre los temas de la vida y la muerte. Su proceso era profundamente físico: quemaba la madera con soplete, la teñía con gis, le superponía capas de papel y texturizaba la superficie con un cepillo de alambre. Para dar a las figuras la esencia curtida y cicatrizada de la existencia humana, primero desfiguraba lo que llegarían a ser sus rasgos: desgarraba y raspaba la madera, abría heridas y desollaba la superficie hasta volverla un mapa de cicatrices. Entre una y otra de estas fases violentas, pintaba las superficies con un cuidado minucioso y las dejaba secar antes de exponerlas a la intemperie para conferirles un aspecto desgastado. Después añadía los rasgos físicos que definían la personalidad de cada pieza, reflejo de cómo cada una se desarrolla a partir de su propio origen creativo. Si bien se parecen mucho a máscaras que simbolizan el vínculo entre la materia y el espíritu, en el fondo hablan de la transformación humana. Sus heridas, reflexionaba él, las humanizan: demuestran que esos seres han vivido, han sobrevivido y siguen en pie. Ramos Prida admitía sin rodeos que estas obras son autorretratos, pero aclaraba que también están profundamente arraigadas en la identidad de México.

El rostro triangular de El hermano de viento alude al pico de ave de Ehécatl, dios del viento, del aire y del soplo vital en la mitología mexica.

Las manos en oración de Silencio del silencio provienen del recuerdo más temprano de Ramos Prida. A los cinco años, vio a su célebre tío, Alfredo Ramos Martínez, pintar una imagen de la Virgen de la Soledad de Oaxaca en una pared del comedor de su casa. Para el niño, ver a la Virgen surgir como por magia de los dedos de su tío fue como una profecía silenciosa: anunciaba su propio futuro como pintor de imágenes en las que el hogar y el espíritu se unen.

El duelo impregna de una honda emoción Ese silencio, ese viento, que captura a una figura detenida en pleno llanto. Esto contrasta con Eterno silencio, donde resuena el llanto perpetuo del guardián del más allá.

Nacido del silencio surge de un lugar de profunda quietud interior, de la ausencia del ruido del mundo.

El tiempo ha desgastado la monumental Con tu cara de tiempo de agua. Pero aunque los elementos casi han borrado los rasgos físicos de la cabeza, su fuerza interior permanece intacta.

“Siempre me pregunto la razón de la profunda fascinación que experimento cuando, caminando o vagando por ahí, observo todas esas hojas de los árboles que han caído y se han mezclado con el lodo, con la arena, con el polvo. También cuando veo el rastro de un insecto en la corteza de un árbol, las superficies oxidadas del cemento o de la piedra, y pienso en la palabra ‘tiempo’… ese gran misterio. Descubro que todo esto nace de la necesidad de expresar el milagro de estar vivo en relación con las formas, con los elementos, en relación con el tiempo.”

Salomon Grimberg