Circe Irasema (Mexico City, 1987) is a visual artist and educator. Her work reflects on the conflicts of representation in Western painting. Irasema views the painting practice as an expanded field of rupture, where a range of experimental forms, techniques, and media coexist, but also as an emotional space for social and plastic learning. In her work, the predominant focus is on the search for local "non-formal" knowledge of sentimental education, which connects the artist, from an anecdotal and object-based perspective, to the contents of "universal" art. Through a meticulous study of everyday objects, contemporary popular knowledge, and the domestic space that frames them, the artist cultivates an interest in critiquing class notions arising from the clash between "high and low culture," constantly resonating with the genealogical tensions of the artisanal process in each piece. In her practice, Irasema aims to socialize the emotional dimension of the objects she studies, seeking to symbolically produce, from the material to the conceptual, that which has historically been stripped from them.
Circe Irasema (Ciudad de México, 1987) es artista visual y docente. Su trabajo reflexiona sobre los conflictos de representación en la pintura occidental. Irasema considera la práctica pictórica como un espacio de quiebre expandido, donde conviven diversas formas, técnicas y soportes experimentales, pero también como una zona afectiva de aprendizaje social y plástico. En su obra, predomina la búsqueda de saberes locales “no formales” de la educación sentimental, que la conectan, desde una perspectiva anecdótica y objetual, con los contenidos del arte “universal”.
Mediante un estudio minucioso del objeto cotidiano, los saberes populares contemporáneos y el espacio doméstico que los enmarca, la artista cultiva un interés por criticar las nociones de clase derivadas del choque entre “alta y baja cultura”, resonando constantemente sobre las tensiones genealógicas del proceso artesanal en cada pieza. En su práctica, Irasema se ocupa de socializar la dimensión afectiva de los objetos que investiga, buscando producir simbólicamente, desde lo material hasta lo conceptual, aquello de lo que históricamente han sido despojados.
Julius Heinemann centra su práctica en el estudio de los diferentes modos de percepción, entendidos como pieza clave en las relaciones del individuo con lo otro –un “otro” que puede ser denominado realidad, sociedad, mundo, etc. Así, en su investigación analiza cómo formamos “imágenes” a través de la percepción –fragmentos de información del exterior que actualizamos continuamente– con las que cada uno de nosotros, en tanto seres individuales, puede lidiar con conceptos como tiempo y espacio, centrales en la articulación de esas relaciones sensoriales.
A través de su cuerpo de trabajo indaga formalmente en los modos preconcebidos con los que se interpretan valores abstractos: forma, escala, color, silueta… para redefinir desde ellos estrategias que, desde la subjetividad, entiendan nuestra relación con el tiempo y en el espacio con otros patrones, y así desarrollar un archivo de imágenes personales.
La suma de sus dibujos, pinturas, instalaciones, libros y otros medios con los que el artista trabaja, así como las colaboraciones con otros artistas, trazan un vocabulario que le permite adquirir nuevas capacidades con las que afrontar la inestabilidad y el flujo continuo de la contemporaneidad, ese constante devenir, aprehendiendo otra temporalidad y espacialidad.
De este modo, sus obras se convierten en base para la búsqueda de un pensamiento fuera de las ideas normativas establecidas en todo campo de conocimiento, y que reverberan en la concepción de la historia, la ciencia o la política. Su permanente actitud de cuestionamiento sobre lo que vemos físicamente, se plantea como una herramienta de pensamiento y sentimiento, como una alternativa para imaginar la posibilidad de una actitud colectiva compuesta por nociones libres individuales.
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